performance

Cada noche de Monkey Town Ciudad de México cuenta con residencias semanales de performance en vivo por artistas mexicanos e internacionales. A la mitad del program se dará lugar a un performance con duración de 18 minutos en el centro del cubo.


Artistas

Enero 30 – Feb 2
Indra Swara, Arte Indonesio

Indra Swara es un grupo fundado en el año 2003 con el objetivo de estudiar y practicar la música tradicional indonesia, principalmente aquella de la orquesta tradicional denominada gamelán. Asep Mangsah, significa venerable humo del tiempo, y es el nombre propio que reciben los instrumentos que la conforman, pues estos son bautizados al momento de ser construidos.

Con una clara inclinación hacía la música tradicional Indra Swara dedicó sus primeros años de trabajo únicamente a esta rama de estudio. No fue sino hasta el año 2014 que por primera vez el grupo se sumergió en la interpretación de música contemporánea para gamelan, de la mano del compositor Jerónimo Rajchenberg (CalArts) y su pieza “Equilibrio”. Desde este año y hasta la actualidad Indra Swara ha mantenido una dualidad en el estudio e interpretación tanto de música contemporánea como música tradicional, específicamente de la región de Java Central.

En esta serie de conciertos el gamelan ha preparado una intervención enfocada en generar una atmósfera basada en dos de las piezas más antiguas compuestas para gamelan: Corobalem y Kodok Ngorek, además de jugar con recursos contemporáneos como la mezcla de modos y escalas.


Feb 4 – 9
Paz Lenchantin (the Pixies)

Ella es la bajista de los Pixies y The Entrance Band. Ella tocó y arregló cuerdas para Silver Jews, Jenny Lewis, Queens of the Stone Age, Josephine Foster, por nombrar algunas bandas. Sus bandas anteriores fueron A Perfect Circle y Zwan.

Sus actuaciones en solitario amplifican sus múltiples talentos. Cambiando de el violín, al bajo y a la pandereta, mientras se process us sonidos a través de una variedad de pedales, Lenchantin crea paredes de sonido y melodía que se intensifican y se extienden entre voces embrujadas — un conjunto en solitario, a la vez primitivo y fascinante.


Feb 11 – 16
Mabe Fratti

Mabe Fratti es una artista guatemalteca que enfoca sus prácticas en lo sonoro. Compositora e improvisadora, ha participado en diferentes enfoques con diferentes artistas y eventos alrededor del mundo. Su empuje normalmente es la curiosidad a aprender más formas de aplicar el poder de lo sonoro, y contar historias desde inteligibles hasta lo confuso. Comenzando en la Ciudad de Guatemala con una educación académica, fue ampliando la forma en la que aplicaba su trabajo y sus encuentros en diferentes situaciones que le han permitido construir formas cada vez más extendidas de tener una experiencia sonora.

Ha presentado en eventos/exposiciones realizadas por NRMAL, Umbral, Aural, Semana de Música Avanzada (GT), Volta, Galería Riña, Galería VERNACULAR, Museo Jumex, Festival Anxrmal, Derrepente Enderredor, Feminasty, el Centro de Cultura Digital, Presente Perfecto, Oral.pub, Haus der Kulturen der Welt, etc. Ha colaborado con artistas como Gudrun Gut, Joachim Irmler, Julian Bonequi, Camille Mandoki, Denise Gutiérrez, Angélica Castelló, Antoine Lang, Concepción Huerta, Gibrán Andrade, Alina Hernández, Fernando Vigueras, Brad Weber (Pick a Piper, Caribou), Alex Hentze, Pamela Flores, ERREOPEO, Dinelka Liyanage, Andy & Hannes Teichmann, Betty Apple, EvilTapes, CNDSD, entre otros.

Tiene un programa en la radio comunitaria “Radio Nopal” en la cual enfoca su investigación en procesos creativos de música arriesgada/”experimental” en Latinoamérica. Ocasionalmente organiza eventos de música, acciones, y poesía bajo el nombre de “Manada”.



Feb 18 – 23

Arantxa Araujo

Arantxa Araujo es una artista multidisciplinaria mexicana con formación en las neurociencias que radica en la ciudad de Nueva York. Araujo tiene un interés por la manera en que el arte trasforma el cerebro al permitir que estímulos sensorimotores curados creen conciencia a través de videos, instalaciones multimedia, leds y performances basados en movimientos. Su obra explora investigaciones bioconductuales, construcciones sociales y de género, así como la política migratoria y sus efectos y consecuencias en la construcción de identidad y performatividad. Araujo utiliza su cuerpo en el movimiento y en la quietud, en la resistencia y en rituales para entender física, energética y mentalmente lo que conlleva la realidad, y crea, de esta manera, oportunidades para contemplar, para volverse conscientes, para percibir. Es sólo a través de la conciencia que los individuos pueden tomar decisiones informadas como un primer paso para el cambio personal y social.

Su obra se ha exhibido en el Museo de Brooklyn, en University Settlement, en la Galería Glasshouse, en el Museo de Queens, en Panoply Lab y en Art in Odd Places en Nueva York; en el Monumento a la Revolución y en El Vicio en México; en RAW durante la Semana de Arte de Miami; en The Semel y en la Galería Huret & Spector en Boston; en la Galería SPACE y en Bunker Projects en Pittsburgh; en el Festival Nuit Blanche en Saskatoon, Canadá. Araujo tiene una maestría en Aprendizaje y Control Motriz del Teachers College / Universidad de Columbia y una licenciatura en Estudios Teatrales del Emerson College. Asimismo, fue becaria del CONACYT en 2012.

Su pieza, Vritti, es una instalación multimedia y un performance en vivo que explora nuestras realidades —factual, virtual, idealista, imaginaria y definitiva— que ingresa en un viaje de vértices a través de la conciencia con el fin de encontrar la quietud y el movimiento en camino hacia la autorrealización.



Feb 25 – Marzo 2

Dos Sopranos: Vanessa Elena Jara RoblesErika Rosalía López López

Vanessa Elena Jara Robles nació en 1990 en Guadalajara, Jalisco, México. Entre sus actividades más relevantes de los últimos años destaca su trabajo con la compañía de Opera de Bellas Artes en mayo de 2017. Una gira que tuvo lugar en la ciudad de Zacatecas, la explanada del Palacio de Bellas Artes y PALCCO, Zapopan, con el título; “Gianni Schicchi” de Puccini bajo la dirección concertadora de; Allen Vladimir Gomez y la Orquesta de cámara de Zapopan.

Así como también su participación con el personaje de; Orlofsky en la ópera; Die Fledermaus, en el festival de Ópera de San Luis Potosí, con la Orquesta Sinfónica del Sur de Arizona.

No podemos dejar de mencionar uno de los momentos más importantes de su carrera; su Debut en el Palacio de Bellas Artes en 2017 como; “Wowkle” en “La Fanciulla del West” de Puccini. Así también ese mismo año destaca su participación con el personaje de; Filomena en la ópera contemporánea del compositor mexicano; Víctor Rasgado en el Festival Internacional Cervantino, bajo la dirección concertadora de José Luis Castillo y su debut como “Marcellina” en Bodas de Fígaro en Torreón, Coahuila bajo la dirección concertadora de Ramón Shade y la Cameráta de Coahuila.



Originaria de la Ciudad de México, Erika Rosalía López López inició sus estudios musicales a los 8 años de edad. Se ha presentado en galas de ópera alrededor de la República interpretando repertorio como: Gilda- “Rigoletto”, Adina- “Elixir de Amor”, Julieta- “Romeo et Juliette”, “I Capuletti e i Montecchi”, La Reina de la Noche- “La flauta Mágica”, Lucia-“Lucia de Lamermoor”, Cunegonde- “Candide”, entre otros además de solos de Oratorio con obras como “Misa de Santa Cecilia”- G. Rossini, “Misa de difuntos”- Amelia Guizar, “Misa n.o 2 en sol mayor”- Franz Schubert, D.167 y “Carmina Burana” esta última acompañada por la Orquesta Filarmónica de las Artes (2014) y la UJED (2017).

Recientemente ha participado como solista en el oratorio de la misa de Gloria de A. Vivaldi con la orquesta de Cámara de Minería 2017. Ha interpretado roles como: Barbarina “Las bodas de fígaro”, Lieschen “Cantata del Café de Bach” 2016 y la Reina de la Noche con la ópera de Guanajuato 2017. Formó parte de la generación 2017 del Instituto de Bel Canto en la ciudad de San miguel Allende. Además se ha presentado en los conciertos: V, VII, IX y X del Centro de Artes vocales (2018) donde continúa su preparación con el Coach Ángel Rodríguez reconocido a nivel internacional. Colaboró con el Maestro Gil Gutiérrez (guitarrista) en presentaciones varias en Agosto 2018 de las cuales una tuvo lugar en el reconocido teatro Ángela Peralta en la ciudad de San Miguel de Allende.



Marzo 4 – 9
Sampo

Las raíces artísticas de Sampo Kurppa se encuentran en las artes circenses. En 2005 obtuvo su título en Artes Circenses de la Academia de Artes de la Universidad de Turku de Artes Aplicadas. Desde entonces ha trabajado en diversos países como malabarista profesional, clown, actor, director y maestro de artes circenses. Entre 2007 y 2008 estudió teatro físico en la Escuela Internacional de Teatro Jacques Lecoq en París, Francia.

Kurppa ha actuado en obras en finés, inglés, sueco y francés, aunque las líneas en las últimas dos lenguas mencionadas las aprendió de modo principalmente fonético. En general su obra es no verbal y habla mediante el lenguaje universal del movimiento. Sampo se ha presentado en 15 países, en festivales y proyectos de circo social para audiencias que oscilan entre los 10 y los 30 mil espectadores.



Marzo 11 – 16
Jerónimo García Naranjo


Jerónimo García Naranjo
estudió composición en la Escuela Nacional de Música de la UNAM bajo la tutela de Julio Estrada. El repertorio de Jerónimo está conformado por música de cámara, electroacústica y música para cine y teatro. Algunas de sus obras destacadas incluyen la invención del Huey Mecatl, un instrumento gigante construido en 10 contenedores de barcos, una composición que llevó a cabo en Dinamarca (2013), Chile (2008) y México (2010). En 2013 construyó también una Caja Músical Gigante’’ para la compañía Scribe. En 2014 abrió una casa de arte en la Ciudad de México llamada Bucareli 69, un espacio para la investigación y las creaciones artísticas en que más de 200 artistas han presentado conciertos y exposiciones. En la actualidad, Jerónimo mantiene su investigación en torno a cuerdas largas en obras como la exhibición Koto Oki que se encuentra en ExTeresa Arte Actual y el Piano Suspendido que se presentó recientemente en el teatro The RedCat en Los Ángeles.



Marzo 18 – 23
Anna Azizzy y Jacob Rosati

Anna Azizzy y Jacob Rosati son hermanos que hacen ruido juntos. Anna es una artista del performance, videoasta y musica experimental radicada en Pittsburgh que lucha por contar historias a través de la experimentación, el humor y lo queer.

Jacob es un compositor y artista sonoro radicado en la Ciudad de México que compone música para películas y espacios con un enfoque en el uso de tonos orgánicos de modos inorgánicos.

Juntos están trabajando en un nuevo performance para Monkey Town con la intención de seguir siendo originales.



Marzo 25 – 30
Õblívîå

Õbívîå es la diva mística del noise que narra la caída de la humanidad fuera de tono. A través de este personaje proyecto, Lucia Honey utiliza modificaciones vocales, ruido y sonidos disonantes pop emparejados con visiones tanto de relaciones familiares queer como de soledad para invocar la feminidad sonora; invierte el sonido femenino como un arma, un grito de batalla catártico: un cielo firme y afeminado. Õbívîå utiliza la energía femenina en un intento por someter las heridas del patriarcado y su obra busca un sentimiento de tierna dismorfia; yace en el precipicio entre el hecho y la ficción, la realidad y la magia, lo masculino y lo femenino.

Enturbia la historia familiar, los traumas, la violencia, el romance y el ritual hasta convertirlos en narraciones abstractas que entretejen una cierta verdad vulnerable.

Õbívîå ha creado dos álbumes y actualmente está terminando el tercero, titulado Suburban Legend [Leyenda suburbana]. Recientemente completó The Bottom [El fondo], una video ópera noise de 22 min, que se reconstruirá como una pieza de 4 canales en vivo para Monkey Town. Õbívîå ha interpretado música y presentado instalaciones de video en diversos países, como en el Museo de Arte en Santo Domingo, República Dominicana, en Slut Island Music Festival, en Montreal, así como en Berlín, Alemania y Ciudad de México, así como en Estados Unidos en el Art Center of South Florida & Satellite Art Fair en Miami, así como en MIX NYC. Ha tenido residencias en ACRE en Steuben, WI en 2014 y SOMA Verano en la Ciudad de México en 2012.



Abril 1 – 6
Jerónimo Zoe Serna Romero

Comienza su formación como pianista en Escuela Libre de Música y en la escuela Birmingham, así como seminarios de interpretación con el dúo Bongalow-Williams de Argentina

Paralelamente ha realizado estudios de música de la India y se ha especializado como tablista, bajo la instrucción de maestros como Francisco Bringas, Akram Khan, Heiko  DIjker, Abijhit Banerjee, Shashankar Bakshi, Uday Karpoor,  Arup Chattopadyhay profundizado mayormente en la Gharana (estilo) de loknow como dicioulo  de Ilyas Hussein Khan

Por otro lado también ha sido ejecutante de música de Indonesia (gamelan) con el grupo Indra Swara. 

Es fundador del colectivo Moots, proyecto conformado por artistas visuales, bailarines, músicos y poetas; enfocado en fusionar música electrónica, medios tecnológicos y expresiones artísticas contemporáneas con el folklor de distintas partes del mundo.

Ha compuesto música para diversas compañías y producciones de danza de India, Indonesia, regional mexicana, contemporánea, teatro y títeres. Ha grabado distintas discografías de música fusión y de música tradicional para Global E. Rack S.A. de C.V, como Temperamentos  y  El Sabor del Dorado.



Abril 8 – 13
Mimi Pepini

Mimi Pepini es tu anfitriona en el futuro al copredecir una evolución absurda para la especie Animalus hominum (hombre animal) a través de performances y obras de teatro.

Sus fantasías guiadas suelen tomar la forma de campos de juego que construyen mitos, fiestas de construcción de supervivencia o festines sumersivos de fantasía. La civilidad se sacude y se lubrica con intimidad, con un énfasis en nuestra animalidad y despliegues cómicos de gozo.

Este espectáculo entra “por atrás” en las situaciones cotidianas, lo que hace posible la de / re-construcción de las arquitecturas sociales. Mimi Pepini es una geógrafa, bailarina, cineasta y acróbata nacida en Estados Unidos y actualmente crea obras en salones de quinceañeras en la Ciudad de México y en estacionamientos. Su nombre proviene de su alter ego, nina, así como de la palabra en portugués para pepino.



Abril 15 – 20
Cerrado Semana Santa


Abril 22 – 25
Nagana

Nagana compañía de artes escénicas, es un colectivo conformado por las bailarinas Carla Segovia, Dominga Martínez y el músico Aristoteles Benitez (Arinoise).

Dominga Martínez Ramírez

Bailarina y coreógrafa mexicana realizó sus estudios de danza en la Academia de la Danza Mexicana  INBA,  donde se graduó como intérprete de danza de concierto. Con 18 años de trayectoria escénica ha formado parte de reconocidas compañías de danza contemporánea Gato Danza, Aksenti, Angulo Alterno, Compañía de danza de Morelos, La serpiente, y ha participado como bailarina invitada de Apoc Apoc, Pausa en movimiento, De aquí de allá, y el Colectivo querido venado.

Unica Latinoamérica invitada a formar parte del workshop y montaje escénico de “performing at the edge” por la compañía “Duende, physical theatre ensamble, en Lesvos, Grecia en 2015.

En 2016 fue parte del prestigiado festival de danza”Deltebre festival de dansa” en Cataluña, España.

En 2017 estrena “Antier” co- creación con  Carla Segovia y Aristoteles Benitez y fundan la compañía de danza “Nagana” debutando dentro de Encuentro Nacional de danza.

Carla Segovia 

Bailarina y coreógrafa originaria de Tamaulipas egresada de la Escuela Estatal de Danza de San Luis,acreedora de medalla de platino en la competencia internacional Danzaméricas. En 2013 obtiene el grado de Licenciada en Danza Contemporánea y Certificado en Danzaterapia por el CID-UNESCO.

Bailarina de la Orquesta Sinfónica de Tamaulipas desde el 2011, para la cuál ha creado siete coreografías. Su formación como bailarina comprende maestros nacionales e internacionales y ha sido intérprete de las compañías Sensodanza, Contradanza, Colectivo Querido Venado y trabajos independientes de colaboración con distintos artistas de diferentes disciplinas. Su formación incluye entrenamientos de largo periodo con las compañías Barro Rojo y Bruja Danza.

En aspectos técnicos ha asistido a El Circo Contemporáneo Danza Multidisciplinaria, Bruja Danza y Barro Rojo. Ganadora del certamen Solo dos danza de Costa Rica junto con Guillermo Aguilar por la obra “one hit wonder” pieza de danza contemporánea que se ha presentado a lo largo de la red de festivales a cielo abierto en España y dentro de la programación del prestigiado festival Deltebre Dansa en Cataluña.

Pedro Aristóteles Benítez Vallejo (a.k.a. Arinoise)

Músico, artista sonoro mexicano inicia sus estudios en la Facultad de Música de la UNAM (2005) y Letras Clásicas UNAM (2005). Entre sus estudio se encuentran el seminario de exploración sonora con Rogelio Sosa en la Fonoteca Nacional y el Taller de música por computadora (supercollider) en el centro multimedia del CENART con Ernesto Romero y Live Coding con Hernani Villaseñor, curso de música algorítmica y estocástica en supercollider con Sergio Luque en el centro multimedia del CENART Entre sus piezas más destacadas se encuentran la banda sonora de los trabajos cinematográficos: Bernardo Arellano, “Dos días” y “La Unión”.



Abril 27 – Mayo 4
Indra Swara, Arte Indonesio

Indra Swara es un grupo fundado en el año 2003 con el objetivo de estudiar y practicar la música tradicional indonesia, principalmente aquella de la orquesta tradicional denominada gamelán. Asep Mangsah, significa venerable humo del tiempo, y es el nombre propio que reciben los instrumentos que la conforman, pues estos son bautizados al momento de ser construidos.

Con una clara inclinación hacía la música tradicional Indra Swara dedicó sus primeros años de trabajo únicamente a esta rama de estudio. No fue sino hasta el año 2014 que por primera vez el grupo se sumergió en la interpretación de música contemporánea para gamelan, de la mano del compositor Jerónimo Rajchenberg (CalArts) y su pieza “Equilibrio”. Desde este año y hasta la actualidad Indra Swara ha mantenido una dualidad en el estudio e interpretación tanto de música contemporánea como música tradicional, específicamente de la región de Java Central.

En esta serie de conciertos el gamelan ha preparado una intervención enfocada en generar una atmósfera basada en dos de las piezas más antiguas compuestas para gamelan: Corobalem y Kodok Ngorek, además de jugar con recursos contemporáneos como la mezcla de modos y escalas.